Cine e Quadrinhos

A primeira tentativa de quadrinhos veio em 1989 pela Bloch Infanto-Juvenil, que lançou O Fantástico Jaspion em formato de fotonovela, usando imagens da série com balões de diálogo. A Bloch adaptou os quatro primeiros episódios da série de TV, mas a qualidade era limitada, com imagens granuladas – uma prática comum para séries populares na época, segundo fontes como Sintonia Geek e JBox. Apesar disso, essas fotonovelas foram um marco para os fãs. No mesmo ano, a Editora Ebal obteve os direitos da Toei Company e publicou uma série que adaptava os episódios da TV, seguida pela Editora Abril, que, entre 1989 e 1990, lançou 12 edições com histórias inéditas. Sob a direção de artistas como Aluir Amancio e roteiristas como Alexandre Nagado, essas HQs continuavam a saga após a derrota de Satan Goss, introduzindo novos vilões como Nimbus, o Usurpador.

Em 2018, Jaspion voltou às HQs com O Regresso de Jaspion, um mangá nacional da Editora JBC, assinado por Fábio Yabu (roteiro) e Michel Borges (arte). Lançado em 2020, o volume único se passa anos após a série original, trazendo Jaspion de volta à Terra para enfrentar Kilmaza e antigos inimigos. A obra, parte do selo Henshin Universe, modernizou a narrativa, mantendo a essência nostálgica, e foi elogiada por fãs, com edições em capa dura e extras sobre a produção. A JBC planejou crossovers com outros heróis tokusatsu, dependendo do sucesso.

Os quadrinhos do Jaspion não só capitalizaram sua febre na TV, mas também mostraram a criatividade brasileira ao adaptar um ícone japonês. De fotonovelas a mangás modernos, essas HQs são um testemunho do carinho dos fãs brasileiros, que, mesmo 37 anos após sua estreia, continuam celebrando o herói intergaláctico.

A primeira aparição de Gugu nos quadrinhos foi em 1988, na revista Misto Quente nº 9, da Editora Abril, com a seção O Mundo Alegre do Gugu. A publicação, que misturava passatempos, pôsteres e histórias, servia como laboratório para novos personagens, como Fofão e Sérgio Mallandro. A edição de Gugu era única: além de quadrinhos, trazia entrevistas, reportagens e figurinhas colecionáveis do apresentador, acompanhadas de um pôster do grupo Polegar, que ele promovia na TV.

Entre 1988 e 1990, a Abril lançou a Revista do Gugu, com 20 edições e quatro almanaques. Nela, Gugu, desenhado com um cabelo loiro mais claro que o real e sempre segurando seu icônico microfone, vivia aventuras absurdas e divertidas. Ele enfrentava lobisomens de terno, se tornava um super-herói ou interpretava um “Tarzan” ao lado de uma Jane ruiva, viajando por cenários que iam da pré-história ao espaço sideral. As histórias, muitas vezes nonsensical, refletiam o tom leve e familiar de seus programas.

A editora Sequência também publicou gibis do apresentador, como As Aventuras do Gugu, com traços e narrativas mais infantis. Em 1991, Gugu participou da edição nº 5 de As Melhores Histórias Disney Escolhidas por…, selecionando suas histórias favoritas da Disney. A rivalidade com Fausto Silva, que também tinha seus quadrinhos, espelhava a disputa pela audiência dominical, trazendo um toque de humor à competição.

Apesar do sucesso, os quadrinhos do Gugu enfrentaram críticas pela simplicidade e pelo tom exagerado, muitas vezes considerado bizarro. Ainda assim, eles são lembrados com nostalgia por quem cresceu na época, representando uma era em que personalidades da TV transcendiam a tela e se tornavam heróis de papel. Hoje, essas revistas são itens de colecionador, disponíveis em plataformas como o Mercado Livre, e continuam a despertar memórias de uma fase marcante da cultura pop brasileira.

Steranko começou como designer gráfico, mas sua vida mudou em 1966 ao entrar na Marvel Comics. Sua obra mais icônica, Nick Fury, Agent of S.H.I.E.L.D., publicada em Strange Tales, revolucionou os quadrinhos da Era de Prata. Misturando surrealismo, pop art e técnicas cinematográficas, ele criou narrativas visuais inovadoras, como a primeira página quádrupla dos quadrinhos em Strange Tales #167. Também trabalhou em Captain America e X-Men, onde redesignou o logo, e introduziu personagens como Madame Hydra.

Em 1969, fundou a Supergraphics, publicando The Steranko History of Comics, um marco na historiografia dos quadrinhos. Nos anos 1970, ilustrou capas de livros, como as de The Shadow, e criou Chandler: Red Tide (1976), considerado o primeiro romance gráfico moderno. Sua revista Mediascene (depois Prevue) cobriu cultura pop até 1994. Steranko também colaborou com Hollywood, criando designs para Raiders of the Lost Ark e Bram Stoker’s Dracula.

Apesar de sua produção limitada – menos de 30 edições na Marvel –, Steranko é aclamado por sua influência. Recebeu o Prêmio Eisner em 2006 e teve exposições no Louvre. Sua abordagem ousada, com personagens sensuais e designs experimentais, desafiou o Comics Code e inspirou gerações, consolidando-o como um dos maiores inovadores da arte sequencial.

Benício começou sua carreira aos 15 anos, em Porto Alegre, como aprendiz na agência Clarim Publicidade. Aos 17, mudou-se para o Rio de Janeiro, onde se consolidou como ilustrador. Na década de 1960, ficou famoso por suas capas de livros pulp da Editora Monterrey, como as da série Brigitte Montfort, com mais de 2 mil ilustrações. Seu estilo, inspirado por Norman Rockwell, destacava mulheres voluptuosas, o que lhe rendeu o título de “mestre das pin-ups brasileiras”.

Nos anos 1970 e 1980, Benício produziu mais de 300 cartazes de cinema, especialmente para pornochanchadas como Dona Flor e Seus Dois Maridos e A Super Fêmea, eternizando atrizes como Sônia Braga e Vera Fischer. Ele também criou todos os pôsteres dos 31 filmes dos Trapalhões, além de capas de discos, como Amar pra Viver ou Morrer de Amor, de Erasmo Carlos, e ilustrações publicitárias para marcas como Coca-Cola, Varig e Levis.

Benício trabalhou até os anos 2000, mas a ascensão da computação gráfica reduziu sua demanda no cinema. Suas obras, marcadas pelo uso de guache e um toque erótico, enfrentaram a censura da ditadura militar, exigindo negociações para aprovação. Em 2011 e 2014, a Reference Press publicou Sex & Crime: The Book Cover Art of Benício, celebrando suas ilustrações. Em 2012, Gonçalo Junior lançou E Benício Criou a Mulher, detalhando sua trajetória.

Reconhecido por prêmios como o Grand-Prix de Ilustração no Prêmio Colunistas de 1986, Benício teve sua obra anexada ao acervo da Funarte em 2021. Sua estética única, que moldou o imaginário brasileiro, continua a inspirar artistas e a encantar admiradores da ilustração.

Shonen

Focado em ação e aventura para jovens, com combates épicos.
Exemplos: Naruto, One Piece, Dragon Ball, My Hero Academia.

Shojo

Voltado para meninas, enfatiza romance e emoções com traços delicados.
Exemplos: Fruits Basket, Sailor Moon, Ouran High School Host Club, Kimi ni Todoke.

Seinen

Para adultos, aborda temas maduros com narrativas complexas.
Exemplos: Berserk, Tokyo Ghoul, Monster, Vinland Saga.

Josei

Focado em mulheres adultas, explora relacionamentos e vida cotidiana.
Exemplos: Nana, Honey and Clover, Paradise Kiss, Nodame Cantabile.

Kodomo

Histórias simples e educativas para crianças, com traços fofos.
Exemplos: Doraemon, Pokémon Adventures, Hamtaro, Chi’s Sweet Home.

Mecha

Centra-se em robôs gigantes e batalhas de ficção científica.
Exemplos: Neon Genesis Evangelion, Mobile Suit Gundam, Code Geass, Gurren Lagann.

Isekai

Personagens transportados para outros mundos, com fantasia e RPG.
Exemplos: Sword Art Online, Re:Zero, Overlord, The Rising of the Shield Hero.

Slice of Life

Retrata o cotidiano com momentos simples e reflexivos.
Exemplos: Yotsuba&!, Barakamon, March Comes in Like a Lion, Horimiya.

 

O primeiro grande marco aconteceu em 1977, quando a Marvel lançou A Marvel Comics Super Special: Kiss. O quadrinho não só trazia uma aventura épica estrelando os integrantes como personagens de um universo fantástico, mas também chamou atenção mundial ao incluir, segundo a própria banda, sangue real dos músicos misturado à tinta da impressão — um golpe de marketing que se tornou lendário.

A trama apresentava o Kiss como seres com poderes sobrenaturais, em combate contra forças do mal, reforçando a mitologia que a banda construía nos palcos. O sucesso foi tanto que novas publicações surgiram nos anos seguintes, consolidando o Kiss como ícones também no mundo dos quadrinhos.

Na década de 1990, o grupo voltou a brilhar nas HQs com a série Kiss: Psycho Circus, pela Image Comics. Inspirada na grandiosidade dos shows da banda, a história mergulhava em um mundo surreal e psicológico, ampliando ainda mais o universo ficcional dos músicos.

Ao longo das décadas, diversas editoras, como Dark Horse e Dynamite Entertainment, lançaram novas sagas. Cada versão explorava lados diferentes dos integrantes: heróis, seres místicos ou até mesmo vigilantes urbanos. Em todas, a essência do Kiss — liberdade, rebeldia e fantasia — permanecia viva.

O impacto cultural dessas HQs é inegável. Elas não apenas cativaram fãs antigos como também apresentaram a banda a novas gerações. Além disso, foram fundamentais para solidificar o Kiss como uma marca multimídia de sucesso, capaz de transitar pela música, cinema, TV, brinquedos e, claro, quadrinhos.

Hoje, as HQs do Kiss são itens de colecionador e símbolos da ousadia da banda. Em cada página, o espírito vibrante do rock continua a ecoar, provando que, seja nos palcos ou nas revistas, o KISS nasceu para ser eterno.

Você já reparou que o Zé Carioca que conhecemos hoje — de camiseta, chinelo e jeitão malandro — é bem diferente daquele papagaio engravatado criado nos Estados Unidos nos anos 1940? Pois essa mudança tem nome e sobrenome: Renato Canini.

Nascido no interior do Rio Grande do Sul, Canini foi um dos artistas mais ousados e originais a trabalhar com personagens Disney no Brasil. Seu maior feito? Transformar o Zé Carioca em um verdadeiro reflexo do povo brasileiro.Durante os anos 1970, trabalhando para a Editora Abril, Canini tirou o personagem das páginas genéricas importadas e o inseriu em histórias mais próximas da realidade do país: tramas que falavam de problemas cotidianos, com humor, criatividade e um traço completamente fora dos padrões tradicionais da Disney.

Seu estilo era leve, expressivo, e bem mais solto — o que incomodou os executivos americanos da marca. Em 1976, a própria Disney pediu que ele parasse de desenhar o personagem por "fugir demais do modelo original". Mas a semente já estava plantada.

Mesmo fora da Disney, Canini seguiu criando. Lançou personagens próprios, como o índio Tibica e o cowboy Kactus Kid, e colaborou com revistas e jornais alternativos. Sempre com aquele traço leve e com comentários sociais escondidos entre uma piada e outra.

Seu legado foi sendo cada vez mais reconhecido. Em 2003, ganhou o Troféu HQ Mix de Grande Mestre. Hoje, é lembrado como um dos desenhistas mais importantes da história dos quadrinhos brasileiros.

Canini faleceu em 2013, aos 77 anos, mas seu trabalho segue inspirando artistas e fãs. Seus quadrinhos são estudados, colecionados e admirados — e o Zé Carioca que ele reinventou, esse sim, continua mais vivo do que nunca.

Inspirado por artistas como Frank Frazetta, Vallejo tornou-se um ícone por conta de suas pinturas que misturam fantasia, ficção científica, erotismo e mitologia clássica. Seus trabalhos mais notórios incluem ilustrações para livros de autores como Edgar Rice Burroughs, bem como capas de revistas, pôsteres de cinema e calendários.

Entre seus temas mais recorrentes estão guerreiros musculosos, amazonas poderosas, dragões, bestas míticas e cenários etéreos. Ele ficou especialmente famoso por ilustrar personagens como Tarzan, Conan e Red Sonja, sempre com um apelo sensual e dramático.

Vallejo também é conhecido por sua parceria artística e pessoal com a também ilustradora Julie Bell, com quem colabora desde os anos 1990. Juntos, publicaram diversos livros de arte, como Dreams, Titans e The Ultimate Collection, além de produzirem trabalhos para editoras de quadrinhos e franquias de games e filmes.

Ao longo das décadas, Boris recebeu diversos prêmios, incluindo o Chesley Award e o Spectrum Grand Master Award, consolidando-se como referência definitiva na pintura de fantasia. Suas obras são frequentemente comparadas a esculturas em pintura, graças ao domínio anatômico e ao uso dramático de luz e sombra.

A técnica de Vallejo envolve o uso de modelos vivos e fotografias para compor suas figuras. Ele é considerado um mestre do aerógrafo e da pintura a óleo, desenvolvendo composições complexas com um toque onírico e selvagem.

Boris Vallejo influenciou gerações de ilustradores, pintores e artistas digitais. Mesmo após décadas de carreira, segue ativo, produzindo obras que encantam fãs de todas as idades e mantendo viva a grandiosidade do universo fantástico em cada pincelada.

Sua notoriedade, no entanto, explodiu nas décadas de 1960 e 1970, ao ilustrar capas para livros de fantasia e ficção científica, especialmente das séries Conan, o Bárbaro, de Robert E. Howard, e John Carter de Marte, de Edgar Rice Burroughs. Seu estilo vigoroso, musculoso e altamente dinâmico ajudou a moldar a imagem moderna do herói bárbaro e da mulher guerreira.

Frazetta também impactou o universo da música, criando artes icônicas para álbuns de bandas como Molly Hatchet e Nazareth. No cinema, sua estética influenciou diretamente produções como Conan, o Bárbaro (1982), He-Man, Heavy Metal e jogos de RPG como Dungeons & Dragons.

Além das ilustrações, ele trabalhou brevemente com animação e foi co-diretor do longa Fire and Ice (1983), em parceria com Ralph Bakshi. Sua arte carregava intensidade emocional e detalhamento anatômico excepcionais, misturando erotismo, violência e misticismo em cenários épicos.

Mesmo após sofrer derrames que afetaram sua mão dominante, Frazetta reaprendeu a pintar com a mão esquerda, demonstrando dedicação e genialidade artística. Ele ganhou diversos prêmios, incluindo o Hugo Award e o Hall da Fama do Will Eisner Comic Industry Award.

Frazetta morreu em 2010, mas seu legado permanece forte. Seu trabalho é celebrado por colecionadores, cineastas e artistas contemporâneos. O Frazetta Art Museum, na Pensilvânia, preserva parte de seu acervo e atrai visitantes do mundo todo. Frank Frazetta não apenas desenhou guerreiros e mundos fantásticos — ele os eternizou.

Entre 1982 e 1987, a atriz e produtora Shelley Duvall trouxe à vida uma das séries mais encantadoras da televisão: Teatro dos Contos de Fadas (no original, Faerie Tale Theatre). Exibida originalmente pelo canal Showtime, nos Estados Unidos, a produção chegou ao Brasil nos anos 1990 pela TV Cultura, conquistando uma legião de fãs que até hoje guardam memórias nostálgicas de suas tardes de quarta-feira. Com 27 episódios, a série antológica recontou clássicos como Cinderela, Branca de Neve e A Pequena Sereia, sob a visão criativa de Duvall, que também apresentava e atuava em alguns capítulos.

Ambientado em um futuro distópico, o enredo acompanha a brutal Corrida Transcontinental, um evento televisivo em que pilotos ganham pontos ao atropelar pedestres. David Carradine interpreta Frankenstein, o lendário corredor mascarado e favorito do público, que enfrenta rivais como Machine Gun Joe (Sylvester Stallone) enquanto lida com sabotagens e uma resistência clandestina que busca acabar com a corrida. A narrativa critica o sensacionalismo midiático, o autoritarismo e a desumanização em uma sociedade obcecada por entretenimento.

Com um orçamento modesto, o filme se destaca pelo estilo visual cru, sequências de ação caóticas e atuações carismáticas, especialmente de Carradine e Stallone. Apesar de polêmico por sua violência gráfica, Death Race 2000 foi elogiado por sua sátira afiada e ganhou status de culto, influenciando obras como o remake de 2008 e jogos como Carmageddon. É uma cápsula do tempo que reflete os excessos e as ansiedades dos anos 70.

O filme deixa em aberto o destino dos fugitivos, já que seus corpos nunca foram encontrados, alimentando especulações sobre sua sobrevivência. A produção, que marcou a última colaboração entre Siegel e Eastwood, mistura suspense e drama, capturando a atmosfera opressiva da prisão. Críticos elogiaram a narrativa tensa e a atuação contida de Eastwood, consolidando o longa como um clássico do gênero.